LE PLUS GRAND CABARET DU MONDE

 

 

 

http://www.youtube.com/watch?v=GsTqmEeBKhw&NR=1

 

Invitación ExposiciónLeón Ferrari

 

 

 

        Tenemos la fortuna de tener en Bogotá  desde el treinta y uno de marzo a las nueve A.M. , en el Museo de Arte del Banco de la República,

una importante exposición  del Maestro León Ferrari  curada por la Fundación Augusto y León Ferrari.

Aprovechando esta maravillosa ocasión los invitamos  muy especialmente  
 el jueves 31 de marzo a las 7:00 pm. a la presentación en SEXTANTE, de las últimas ediciones
 “Divertimentos”, “Caligrafías” y el Libro de Artista “Escrito en el aire” del Maestro León Ferrari,
un homenaje a sus noventa años.
No se pierda las dos muestras! Son excelentes!  

Los esperamos!!

María Eugenia Niño - Luis Ángel Parra

Escultor Hugo Zapata en París

http://www.menusplaisirs.fr/#/invitation/

Toccata & Fuga de Bach

 

 

http://www.youtube.com/watch_popup?v=XKRj-T4l-e8&vq=large

 

 

ARTÍCULO PUBLICADO: 27/03/2011 EN EL PERIÓDICO QUINTO DÍA DE MARGARITA

VALENTIN MALAVER y las Piedras

William Ramírez M.

En la vivienda y taller de Valentín Malaver en Guarame, isla de Margarita,
entre los cerros Matasiete y Guayamurí, siempre corre la brisa, y se divisa
el mar al final del valle que empata los dos cerros; y podemos ver hermosas
puestas del sol características de la Isla, así como extraordinarios
amaneceres; y vuelos de aves que inspiran al escultor cuando desbasta las
piedras.
Su casa-taller está habitada por esculturas a las que este creador insufla
vida después de dialogar con los distintas piedras de las que están hechas:
mármoles, granitos, serpentinas… Materiales que hablan, y a los que el
escultor escucha, para poder crear algo mágico: auténticas obras de arte; y,
también residen poemas escritos en las paredes que lo inspiran, porque para
él poesía y escultura están muy unidas: "trabajar la palabra es como pulir
la piedra", nos dice. Mantiene guardada la faceta de poeta, la oculta, y
solo quiénes llegamos hasta su casa podemos enterarnos.
Sus obras no son artesanías, porque su arte no lo hace porque pretenda hacer
arte, sus creaciones son capaces de generar magia, y de provocar preguntas.
Empezó y se ha mantenido con las piedras porque era el material más cercano,
más barato. "Es un material que te pone a prueba siempre y aporta mucha
riqueza a la figura, porque ellas hablan y hay que escucharlas, y me
permiten expresarme".
Piensa pasar a otros materiales clásicos: el bronce, el hierro, la madera…
pero sin dejar la piedra, "El Material con mayúscula". Su proceso ha sido
inverso: en lugar de iniciarse con la madera y materiales blandos, lo hizo
con la piedra. Usualmente, ésta aparece en la vida del escultor cuando él ya
no le tiene miedo: "nos pone en evidencia continuamente, hay que desbastarla
y quitarle lo que sobra, no puede ser de otra manera, hay que enfrentarla
sin miedo, y entrar en ella. No vale acariciarla por fuera, no te permite
vacilaciones. Un error, un mal cálculo, una precipitación en el trabajo te
puede llevar a un error irreversible.
Con ella hay que trabajar con margen, nunca puedes ir al límite de lo que tú
querías, porque te puedes equivocar y en lugar de llegar a la meta de una
sola vez tienes que multiplicar el trabajo varias veces. Para que la piedra
se deje domesticar tienes que ir despacio. Entonces, una vez que entras, la
puedes escuchar y oír pasar el viento a través de sus calados internos".

Que es? Una serpiente? un animal raro ? o una obra de arte?

 

 

YouTube - Air - La Femme D'Argent

 

 

Del album "Moon Safari", de Air.  La calle del video es Market Street, en San Francisco, en 1905....

http://www.youtube.com/watch_popup?v=NINOxRxze9k

 

La música que pinta Víctor Valera

 

EL NACIONAL - Sábado 26 de Marzo de 2011	Cultura/4

 

Cultura EXPOSICIÓN Se cumplen 10 años del retorno del zuliano a sus orígenes: la pintura La música que pinta Víctor Valera A los 84 años de edad, el artista vuelve a llenar los tres pisos de la Galería de Arte Ascaso con obra reciente   MARJORIE DELGADO AGUIRRE marjodelgado@gmail.com En su pintura, Valera corteja al volumen animado por el artificio de lo óptico MANUEL SARDÁ En 2007, cuando tenía 80 años de edad, Víctor Valera aseguraba que ya no tenía tiempo para darle tiempo al tiempo. Y no es mentira. No se lo da. Y es tan férrea su oposición al letargo que ahora, a los 84 años, este hombre de energía inagotable vuelve a llenar los tres pisos (más la azotea) de una de las galerías más grandes de Caracas: la Galería de Arte Ascaso, donde mañana inaugurará Víctor Valera. Punto y línea. ¿Cómo lo hace? La respuesta no es sencilla para quien se despierta sin una idea clara de que hará con cada día. "Cuando me levanto, tengo un cuadro pintado en mi cabeza. Sólo tengo que ver la luz que entra por la ventana. En adelante, todo es trabajo", dice el creador. En medio de la iluminada primera planta de la Ascaso, erguido en una silla mientras agita un rudo bastón cuyo puño queda minimizado atrapado en la robustez de su fuerte mano, se encuentra Valera, con tantas canas como historias por contar: "Antes de que comience la entrevista le quiero decir algo que usted comprenderá si entiende de música: todo lo que está aquí se lo debo a haber sido obediente a Pierre Boulez y a los músicos dodecafónicos, que me hicieron entender que el silencio es un sonido, que escuchar era llegar a la sabiduría, que hay espacios que hay que llenar y otros que hay que vaciar". Esas palabras dan soporte a lo que dijera Jean Arp, el artista que descubrió sus lienzos: "No hace falta ser pitagórico para oír a través de las concreciones de Valera una música magnífica. Amenazas, torbellinos, embriaguez, rayos de luces se ordenan en esa pintura para formar construcciones sonoras, construcciones que convierten en visible lo invisible, que dejan oír lo que no se escucha". El creador empuña el bastón, lo levanta y señala una obra. "Los espacios, como en el pentagrama, están en una sola dimensión, pero allí hay silencios, sonido y vibración. Todo eso es musical y es en la música donde se halla el comienzo de mi enseñanza", continúa el artista, que hace 10 años retornó a la pintura luego de haberla "traicionado" en 1957, cuando se convirtió en escultor y ganó el Premio Nacional de Escultura con la segunda obra que hizo en ese formato. "La escultura me dio el tiempo; porque yo apenas estoy llegando a aquel lugar (la pintura) del que salí", expresa. Pero, aunque entregado a la pintura en cuerpo y alma, su trabajo actual no deja de tener un modo muy escultórico. Juega con los sentidos y, desde el plano, también corteja al volumen, aupado por el artificio de lo óptico. De hecho, si se sube a la azotea se puede ver una pequeña retrospectiva de su obra escultórica y, escaleras abajo, el montaje, celosamente vigilado por el creador, muestra la indisoluble relación entre el Valera escultor y el Valera pintor. Sin embargo, a pesar de que esa conexión entre pintura y escultura es muy cercana y de que existe un hilo conductor general en su trabajo, la abstracción geométrica y el interés por lo óptico, el volumen, el espacio, al artista le aterra la palabra repetición: "Hay quienes me critican por no seguir una sola línea de trabajo, pero a mí me horroriza que un cuadro tenga una relación con el otro. Cada uno está vivido por primera vez, hecho desde una emoción. Es el hombre frente a la magia y la sorpresa. ¿Qué queda en esa diferencia entre cuadro y cuadro? El yo". En el ancho espacio de la sensibilidad de Víctor Valera el inconsciente siempre se asoma, pero no porque a su pintura se le vean costuras escultóricas ­esto quizá es muy consciente­, sino porque su obra no reniega de las imágenes de su tierra, como dijo una vez: de su hablar maracucho. Esto lo recalca para contradecir el resabio de creer que la abstracción geométrica y los artistas modernos se divorciaron de su cultura: "Nosotros lo que hicimos fue una síntesis, pero esa síntesis no niega ni lo que nos enseñaron los que hacían representación ni nuestras herencias culturales. Yo creo en América, creo en lo que somos". "Cada uno (de los lienzos) está vivido por primera vez, hecho desde una emoción. Es el hombre frente a la magia y la sorpresa. ¿Qué queda en esa diferencia entre cuadro y cuadro? El yo" Punto y línea Víctor Valera Inauguración mañana, 11:00 am Galería de Arte Ascaso, avenida Orinoco de Las Mercedes, entre las calles Mucuchíes y Monterrey, frente a la Torre Rescarven Lunes a viernes, de 8:00 am a 1:00 pm y de 2:00 pm a 6:00 pm; sábado y domingo, de 11:00 am a 3:00 pm

 

Abren exposición para recordar a Fucho, un mecenas margariteño

 

 

Abren exposición para recordar a Fucho, un mecenas margariteño

Los curadores de la colectiva “Con la Fe en Nueva Esparta”, aseguran que el exgobernante Rafael Tovar fue una persona que siempre apoyó a los artistas. Este domingo inauguran la muestra en el Museo Narváez.

Yanet Escalona

Jesús Salvador Rodríguez y Oswaldo Gutiérrez, curadores de la exposición “Con la Fe en Nueva Esparta”, asienten cuando Rafael Tovar Mata, hijo de Fucho, recordó que su padre siempre fue un mecenas, en apoyo a creadores y sus manifestaciones artísticas.

Mecenas: una persona que patrocina las letras o las artes, según lo define la Real Academia Española. Visto de ese modo, a Fucho Tovar le dedican este domingo un homenaje póstumo, al inaugurar la exposición con la inclusión de obras de 47 artistas, dentro de una variada gama de texturas, colores, técnicas y estilos.

Según el director del Museo “Francisco Narváez”, Arturo Millán, el catálogo de la exposición tiene la particularidad de servir de registro sobre la trayectoria de los participantes. Destacó, además, que éste incluye un escrito, quizás el último, del recientemente fallecido cronista Ángel Félix Gómez, titulado “Colectiva de Espartaneidad” en donde Felito resume desde que Fucho Tovar nace el 23 de enero de 1928 en Juan Griego, hasta que muere el 11 de enero de 1999.

Dedica líneas a una faceta de Fucho que considera poco conocida, como es la de su mecenazgo con artistas plásticos, escritores y músicos, especialmente los neoespartanos, a través de la Fundación Cultural Conferry. “Fuimos miembros y testigos de su ayuda desinteresada y anónima, si se quiere (...) destaca la publicación de ‘Poesía Completa’ (1981) de su coterráneo Francisco Lárez Granado, el ‘Poeta del Mar’. En ese libro están muchas de las vivencias de Pachito, que fueron también las del Fucho niño y joven”, apunta el cronista, quien será el gran ausente este domingo.

VARIADA GAMA
En la exposición se verá desde el cuadro de un renovado Cruz Acosta que inyecta color, un Golindano en Cubagua, el alto vuelo fotográfico del “Tucán”, la clásica obra del epónimo del Museo, Francisco Narváez, el caminar de El Viejo de Juan García, un mágico Valle de Caracas de Pedro Ángel González, el Caracol de Oswaldo “Docha” Gutiérrez y quien lo quiera “escuchar”, hasta el “Diálogo Primigenio” de Arturo Millán.

 

Abren exposición para recordar a Fucho, un mecenas margariteño

 

 

 

 

Noticia publicada: 25/03/2011   Abren exposición para recordar a Fucho, un mecenas margariteño Los curadores de la colectiva “Con la Fe en Nueva Esparta”, aseguran que el exgobernante Rafael Tovar fue una persona que siempre apoyó a los artistas. Este domingo inauguran la muestra en el Museo Narváez. Yanet Escalona Jesús Salvador Rodríguez y Oswaldo Gutiérrez, curadores de la exposición “Con la Fe en Nueva Esparta”, asienten cuando Rafael Tovar Mata, hijo de Fucho, recordó que su padre siempre fue un mecenas, en apoyo a creadores y sus manifestaciones artísticas. Mecenas: una persona que patrocina las letras o las artes, según lo define la Real Academia Española. Visto de ese modo, a Fucho Tovar le dedican este domingo un homenaje póstumo, al inaugurar la exposición con la inclusión de obras de 47 artistas, dentro de una variada gama de texturas, colores, técnicas y estilos. Según el director del Museo “Francisco Narváez”, Arturo Millán, el catálogo de la exposición tiene la particularidad de servir de registro sobre la trayectoria de los participantes. Destacó, además, que éste incluye un escrito, quizás el último, del recientemente fallecido cronista Ángel Félix Gómez, titulado “Colectiva de Espartaneidad” en donde Felito resume desde que Fucho Tovar nace el 23 de enero de 1928 en Juan Griego, hasta que muere el 11 de enero de 1999. Dedica líneas a una faceta de Fucho que considera poco conocida, como es la de su mecenazgo con artistas plásticos, escritores y músicos, especialmente los neoespartanos, a través de la Fundación Cultural Conferry. “Fuimos miembros y testigos de su ayuda desinteresada y anónima, si se quiere (...) destaca la publicación de ‘Poesía Completa’ (1981) de su coterráneo Francisco Lárez Granado, el ‘Poeta del Mar’. En ese libro están muchas de las vivencias de Pachito, que fueron también las del Fucho niño y joven”, apunta el cronista, quien será el gran ausente este domingo. VARIADA GAMA En la exposición se verá desde el cuadro de un renovado Cruz Acosta que inyecta color, un Golindano en Cubagua, el alto vuelo fotográfico del “Tucán”, la clásica obra del epónimo del Museo, Francisco Narváez, el caminar de El Viejo de Juan García, un mágico Valle de Caracas de Pedro Ángel González, el Caracol de Oswaldo “Docha” Gutiérrez y quien lo quiera “escuchar”, hasta el “Diálogo Primigenio” de Arturo Millán.

COLOR. Una de las obras de mayor formato es la de Bera Bauza, con la técnica de acrílico sobre tela. La colectiva será inaugurada este domingo 27 y permanece hasta el 19 de mayo, Día Nacional del Artista Plástico. FOTOS GUSTAVO GRANADO Arturo Millán, director del Museo de Arte Contemporáneo “Francisco Narváez”. Talla de madera de Winston García, entre las que engalanan la sala principal. AMBIENTALISTA. Irene Osío presenta “Salvatierra”, elaborada con material reciclable. En general, la expo incluye piezas de varias tendencias, pinturas, esculturas y fotos. Foto del recuerdo: Luis Beltrán Prieto Figueroa, Morel Rodríguez y Fucho Tovar. EN NÚMEROS 47 artistas participan en esta exposición, que se enmarca en la celebración del vigésimo aniversario del Centro Médico Quirúrgico La Fe (Maneiro). Entre las obras están las de los Premios Nacionales Pedro Ángel González, Francisco Narváez, Omar Carreño, Ramón Vásquez Brito, Ángel Hurtado, además de nuevos creadores, artistas, escultores y fotógrafos. Un Museo como en los viejos tiempos... y por amor al arte.

 

Himnovaciones... (Ver en secuencia)

 

Extracto de la serie de skechts dedicada a la renovación de... un himno en... un país. De su espectáculo "Bromato de armonio".   Pulsar en secuencia.   http://es.youtube.com/watch?v=iKdbc1fmIwI&mode=related&search=   http://es.youtube.com/watch?v=cJ3F6t0-5LA&mode=related&search=   http://es.youtube.com/watch?v=kD0gAAju1bU&mode=related&search=   http://es.youtube.com/watch?v=xoe7MujAEMU   http://www.youtube.com/watch?v=C7AxOIWS8OA&NR=1

 

 

 

Noticias de Arte

 

 

Abre en Málaga la primera franquicia de la cadena de museos Carmen Thyssen

Carmen Cervera, baronesa viuda de Thyssen-Bornemisza, tiene ya un museo que lleva su nombre en pleno centro histórico de Málaga. El Palacio de Villalón, construido en el siglo XVI, se ha restaurado para albergar 220 cuadros de la colección privada de la baronesa, cedidos durante 15 años “sin coste alguno”. Claro que la ciudad tuvo que invertir en el museo 29,6 millones de euros, casi el doble de lo inicialmente presupuestado, para obtener beneficios del "gran impacto para la economía malagueña" que traerá la nueva institución, según el alcalde. El Ayuntamiento cree que atraerá a unos 200.000 visitantes anuales con esta nueva oferta cultural. La pinacoteca que se inauguró esta semana en Málaga es la primera de "una especie de red de museos" que contarán con “toda la experiencia y apoyo” del Museo Thyssen de Madrid. Así lo explica el director del museo de la capital, de propiedad estatal. Todos los museos de la cadena se beneficiarán del intercambio de exposiciones, ya que la baronesa "tiene una concepción fluida" de lo que son sus colecciones.

Recuperan un Sorolla robado en Valencia La Policía de Valencia ha localizado la pintura de Joaquín Sorolla que fue sustraída del Museo Benlliure aprovechando una distracción de sus vigilantes. La presunta autora del delito fue detenida, aunque luego se la puso en libertad, a la espera de juicio. El registro de seguridad permitió averiguar que el robo se cometió seis días antes de que fuera descubierto. La ladrona, cuya identidad no se ha revelado, descolgó el cuadro, le quitó el marco y se lo llevó oculto entre las ropas. ESTADOS UNIDOS APOYA A EGIPTO FRENTE AL MUSEO DE SAN LUIS. El Fiscal General de los Estados Unidos ha pedido la custodia de la máscara de Ka Nefer Nefer, una pieza del siglo XII antes de Cristo sustraída del Museo de El Cairo hace 40 años. El Gobierno norteamericano considera "cierta" la denuncia de las autoridades egipcias, que atribuyen al "expolio" de su patrimonio la presencia de esta pieza en la colección del museo. La institución pagó por ella 400.000 euros en 1998.

La Justicia condena a un ayuntamiento de España a indemnizar a un escultor después de cambiar el entorno de una de sus obras La escultura fue diseñada para estar en el agua pero una intervención destinada a regenerar la costa hizo retroceder la línea de playa, y ese monumento pasó a estar rodeado de arena. Por tal razón, las autoridades locales deben indemnizar al escultor por el daño moral que padeció y quizá deban trasladar la obra para que recupere su entorno original. Ocurrió en El Campello, a 13 kilómetros de Alicante, donde Arcadi Blasco ideó su monumento como un conjunto de dos piezas. El problema es que el retroceso de la línea de playa desvirtuó el diseño original, lo que ha llevado a la Justicia a condenar al Ayuntamiento a resarcir al escultor por los daños morales infligidos, ya que no cumplió su obligación de conservar la obra en el entorno para el que se había concebido, y que se convirtió en un símbolo de El Campello. Científicos españoles han creado un método para planificar la conservación de obras de Arte realizadas con plástico. Su objetivo es conseguir una evolución mejor de esas piezas, que envejecen y se destruyen rápidamente, lo que ha hecho que se conviertan en la peor pesadilla de los restauradores. En cumplimiento de la L.O. 15/1999 le informamos que los datos personales facilitados por usted están incorporados a un fichero cuyo responsable y titular es RARA AVIS MAC SL, y que puede ejercitar sus derechos de acceso, rectificación, cancelación y oposición mediante el envío de su solicitud por correo ordinario a: RARA AVIS MAC, SL, C/ Reyes Católicos, 7 bis. 45002 Toledo (España). Para enviar el boletín a un amigo                          Para no recibir más boletines

 

Holi: Festival of Colors in India

 

 

 

 

Tremenda fiesta del color, nada de grisecitos blanco negro

Verdaderos purple violet pink orange and lemonyellow

 

http://www.boston.com/bigpicture/2011/03/holi_festival_of_colors.html

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Alexandra Kuhn tiene aroma de café mañanero (EL NACIONAL - Miércoles 23 de Marzo de 2011 Escenas/1 )

 

 

EL NACIONAL - Miércoles 23 de Marzo de 2011	Escenas/1

 

Escenas La mirada interior de Alexandra Kuhn tiene aroma de café mañanero La ganadora del V Salón Pirelli de Jóvenes Artistas presenta Ser operativo, una individual en la que ­señala la curadora de la muestra, María Elena Ramos­ prevalece la actitud meditativa de la creadora sobre los objetos   MARJORIE DELGADO AGUIRRE marjodelgado@gmail.com WILLIAM DUMONT Frente a las obras de la individual Ser operativo, expuestas actualmente en la galería Carmen Araujo Arte, Alexandra Kuhn revela algo de lo que después se arrepiente por considerarlo un detalle insignificante. "Yo era una niña muy silenciosa". Quizá en esta "nimiedad" se halle buena parte de la naturaleza de su trabajo artístico. Sus silencios y recogimiento responden a una necesidad natural de profunda contemplación, que se le hace ineludible no sólo para ver las cosas por fuera, sino para ver hacia adentro. Y más adelante, hace otra confidencia: "Casi no salgo de mi casa". Una frase con la que apunta que no es casual que el objeto de su contemplación sea su entorno más inmediato. Como punto de partida para armar su Ser operativo, la artista aferró su mirada en un objeto doméstico: la taza de café que deja su esposo en la mañana. La curadora María Elena Ramos lo deja claro: "Si él toma (bebe) el café cotidiano, ella toma al café como motivo. Y a partir de esta bebida y sus ceremonias el serartista va creando sus maneras: lo decantado, lo manchado, lo sumergido, lo superpuesto, lo desvanecido". Estas maneras se transforman en series como "Borra", "Mancha integrada", "Acercamiento a borra", "Acercamiento a naturaleza muerta" y "Ser operativo". "Más que la naturaleza de los objetos, lo que prevalece aquí es la actitud meditativa de la artista sobre ellos: una apropiación muy suya, un acto perceptual que hace palpable la densidad física de ser y cosas, pero también un acto conceptual capaz de revelar las fuerzas simbólicas y conexiones éticas. Lento proceso en fin hacia un modo muy personal de transfiguración poética", señala la investigadora María Elena Ramos. La artista integra en su mirada atenta ese accidente que queda en el fondo de la taza, a la tinta derramada sobre una servilleta. Kuhn negocia con lo imprevisto y lo convierte. Así, en la individual Ser operativo el error es transfigurado en arte. Lo hace por una convicción: la existencia está definida en gran medida por el error. Ella lo resume en una frase griega: Hen to pan, que significa "todo es uno", y ese todo, además del accidente, es el otro que se integra a su vida y, ahora, a su obra: su esposo, también el ser operativo, el que existe, obra y hace su efecto, escribe en su blog sobre su proceso creativo. Al mismo tiempo, Kuhn admite en su cuerpo de trabajo un ejercicio de traslación de lo íntimo a lo público. No sólo es que saca su casa a la calle, sino que hace un inventario introspectivo. "Para mí el asiento del café es una representación simbólica de eso que queda en uno, en el fondo, para sus adentros", señala la artista. Cada obra es un retrato de una cotidianidad muy propia que se explaya en el detalle y que se desnuda. La artista hace acercamientos conmovedores. "La mirada interior y el detalle a lo grande (lo ampliado), ambos vienen acompañando mi presbicia", apunta en el blog. Al ir al detalle, Kuhn, transforma la materia y ofrece otras lecturas a una simpleza, que pasa inadvertida para el resto de los ojos. En su trabajo reciente, Kuhn, ganadora del V Salón Pirelli de Jóvenes Artistas (2001), salió del pétalo que caracterizó buena parte de su obra anterior. No obstante, se quedó con el apego a lo orgánico, más específicamente a lo orgánico residual. También con el punto de costura, muy propio de su propuesta, aunque esta vez es más bien un punto de sutura, más desgarrador que la sutil puntada de creaciones pretéritas. Al hablar de este aspecto, la artista se detiene en frases sueltas que hilan una constante en su trabajo: la herida, la herida reconstruida, la sutura de la existencia (la sutura, luego del accidente: una forma de ser operativo).

 

Hélène Grimaud

 

 

 

¡Hola! Quiero compartir con vos mi admiración por una pianista francesa excepcional, Hélène Grimaud.

 

 

 

 

En el primer enlace de abajo podrás verla y escucharla tocando la Fantasy in C minor for Piano, Chorus, and Orchestra, Opus 80, compuesta por Ludwig van Beethoven en 1808. (No es quizá tan conocida como otras de sus obras, pero me gusta mucho. El arreglo del piano, combinándose con los coros primero, y luego con la orquesta, es extraordinario. Se nota que Ludwig, el día que la compuso, tenía la recta de cien millas, y la curva y el cambio de velocidad se le movían bastante...)

 

Al final del video, verás a la legendaria cantante francesa de los años sesenta, Francoise Hardy con Hélène, entregándole un premio...

 

http://www.youtube.com/watch?v=B5hcV2zi5uI

 

Y ¿Qué tal si oímos el último movimiento del muy conocido concierto para piano  "El Emperador", No. 5, Opus 73, también de Beethoven?

 

 

http://www.youtube.com/watch?v=QtwWmeXJENc&feature=related

 

Y ahora, la vemos en el video promocional de su disco "Reflection", donde interpreta a sus siempre amados Robert y Clara Schumann, y Brahms. La música que se oye al comienzo de este video, es parte del muy hermoso tercer movimiento del concierto para piano y orquesta, Opus 54, de Schumann, tocado por ella en dicho disco...(y que estoy oyendo en este instante que escribo estas líneas...)

 

http://www.youtube.com/watch?v=3xuwdKhQ_8I&feature=related

 

Y, qué carrizo, ya que estamos celebrando también a Schumann, aquí va el segundo y el tercer movimiento del arriba mencionado Opus 54  (en materia de piano clásico, sin duda alguna, una de mis obras favoritas). Si te gustaron sus interpretaciones de Beethoven, aquí Hélène la saca del estadio con las bases llenas. En el tercer movimiento ("Allegro vivace")  no tiene ni respiro ni descanso...En su rostro se puede ver una muestra de intensidad suprema, al servicio de una interpretación de campeonato...

 

http://www.youtube.com/watch?v=vkwvqg810K0

 

Por supuesto, a la derecha de cada video, tienes otras opciones de interpretaciones de ella, de autores como Bach, Liszt, Rachmaninov, o Chopin...

 

 

 

 

 

 

You Tube: Hélène Grimaud

 

 

 

¡Hola! Quiero compartir con vos mi admiración por una pianista francesa excepcional, Hélène Grimaud.

 

 

 

 

En el primer enlace de abajo podrás verla y escucharla tocando la Fantasy in C minor for Piano, Chorus, and Orchestra, Opus 80, compuesta por Ludwig van Beethoven en 1808. (No es quizá tan conocida como otras de sus obras, pero me gusta mucho. El arreglo del piano, combinándose con los coros primero, y luego con la orquesta, es extraordinario. Se nota que Ludwig, el día que la compuso, tenía la recta de cien millas, y la curva y el cambio de velocidad se le movían bastante...)

 

Al final del video, verás a la legendaria cantante francesa de los años sesenta, Francoise Hardy con Hélène, entregándole un premio...

 

http://www.youtube.com/watch?v=B5hcV2zi5uI

 

Y ¿Qué tal si oímos el último movimiento del muy conocido concierto para piano  "El Emperador", No. 5, Opus 73, también de Beethoven?

 

 

http://www.youtube.com/watch?v=QtwWmeXJENc&feature=related

 

Y ahora, la vemos en el video promocional de su disco "Reflection", donde interpreta a sus siempre amados Robert y Clara Schumann, y Brahms. La música que se oye al comienzo de este video, es parte del muy hermoso tercer movimiento del concierto para piano y orquesta, Opus 54, de Schumann, tocado por ella en dicho disco...(y que estoy oyendo en este instante que escribo estas líneas...)

 

http://www.youtube.com/watch?v=3xuwdKhQ_8I&feature=related

 

Y, qué carrizo, ya que estamos celebrando también a Schumann, aquí va el segundo y el tercer movimiento del arriba mencionado Opus 54  (en materia de piano clásico, sin duda alguna, una de mis obras favoritas). Si te gustaron sus interpretaciones de Beethoven, aquí Hélène la saca del estadio con las bases llenas. En el tercer movimiento ("Allegro vivace")  no tiene ni respiro ni descanso...En su rostro se puede ver una muestra de intensidad suprema, al servicio de una interpretación de campeonato...

 

http://www.youtube.com/watch?v=vkwvqg810K0

 

Por supuesto, a la derecha de cada video, tienes otras opciones de interpretaciones de ella, de autores como Bach, Liszt, Rachmaninov, o Chopin...

 

 

 

 

 

 

: Pagina 7 de opimion : No es una Catástrofe..........

 

 

EL NACIONAL - Martes 22 de Marzo de 2011	Opinión/7

 

Opinión No es una catástrofe económica MOISÉS NAÍM mnaim@elpais.es L os japoneses son diferentes. Es tan imposible no conmoverse con las imágenes de sufrimiento y destrucción que nos llegan de Japón como lo es no sorprenderse con el estoicismo de las víctimas. Mientras que en otros países las escenas que siguen a una catástrofe suelen ser de pánico, desorden y saqueos, en Japón vemos largas filas de gente esperando en calma atención médica o comprando alimentos. Y rostros que reflejan un inimaginable dolor, que no se expresa con estridencias. Los japoneses merecen la admiración y la solidaridad del mundo. Los mercados financieros también son diferentes. Pero de otra manera. Están apostando por que la economía japonesa se recuperará antes de lo que las imágenes de la devastación podrían hacer pensar. También apuestan por que el impacto financiero en otros países será menor y que los efectos económicos a largo plazo no serán significativos. Menos de una semana después del terremoto y del tsunami, con las plantas nucleares aún incendiándose y la Bolsa nipona en caída, los fondos de inversión internacionales especializados en comprar acciones de empresas japonesas recibieron volúmenes récord de dinero: en esa semana los inversores depositaron 956 millones de dólares, cuando la semana anterior al terremoto el monto había sido de 180 millones. Lo mismo pasó con la moneda. Días después de la tragedia, el yen alcanzó su nivel más alto desde la Segunda Guerra Mundial. Una moneda tan fuerte tiene efectos muy perniciosos para las exportaciones del país y causa múltiples desajustes internacionales. Por eso los bancos centrales de los siete países más ricos intervinieron con gran eficacia en los mercados de divisas, y lograron estabilizar la moneda japonesa. Esto también fue una novedad: la intervención coordinada de los bancos centrales no ocurría desde hace más de una década. El fortalecimiento del yen se debe a que los mercados anticiparon una masiva repatriación de capitales japoneses depositados en otros países y monedas. Como este dinero tendrá que retornar para financiar la reconstrucción, aumentará la demanda de yenes. Suponiendo que esto elevaría el valor de la moneda, los especuladores se lanzaron a comprar yenes. Pero en este caso algunos perdieron: la intervención de los bancos centrales impidió que la divisa nipona siguiera subiendo. Quienes probablemente no van a perder son los que han apostado por la rápida recuperación de Japón. Si bien este accidente fue devastador, el cálculo más alto de sus costes es de 300 millardos de dólares, y la mayoría de los analistas lo sitúa más bien en 200 millardos de dólares. Esta cifra equivale sólo a 4% de la actividad económica japonesa y a 1% de la riqueza del país. El columnista Martin Wolf recuerda que, en Japón, la crisis financiera mundial tuvo un impacto equivalente a 10% de su economía. Si bien las imágenes que vimos en Japón después de la crisis financiera no tuvieron el dramatismo de las que ahora observamos, la realidad es que el crash de 2009 afectó a un número mucho mayor de japoneses. El otro cálculo que hacen los mercados financieros es que la recuperación de Japón será tan veloz como la que se ha registrado en otras catástrofes. Garry Evans, del banco HSBC, estudió los impactos financieros de los terremotos de Kobe (Japón) en 1995, Taiwán en 1999, Chile en 2010 y los ataques terroristas de 2001. Encontró que tras una caída inicial, las respectivas bolsas de valores se recuperaron a su nivel precatástrofe entre 23 y 78 días después, y 100 días más tarde estaban por encima de ese nivel. Además, las economías afectadas por estos desastres crecen gracias al estímulo de las inversiones destinadas a la reconstrucción. En 2010, Chile sufrió un devastador terremoto y creció a 5%. Obviamente, la tragedia de Japón tiene otros efectos negativos, ya que allí están los eslabones críticos de muchas de las cadenas de suministro de las que depende la industria mundial, y ahora esos nódulos están parados. Las aseguradoras sufrirán y el futuro de la industria nuclear está en cuestión. Por esto último también apuestan los inversores: el precio del uranio ha caído 30%.

 

2da Subasta AVAP

 

 

Asociación Venezolana de Artistas Plásticos, A.V.A.P.

Miembro de la A.I.A.P., Capítulo de la UNESCO

Calle Armando Reverón Qta. AVAP, La Campiña, Caracas

Tlf. 0212 7303499

Atención: Lunes a Viernes de 10:00 am a 3:00 pm

 

DRAWING NOW PARIS l LE SALON DU DESSIN CONTEMPORAIN > MILTON BECERRA > Solo Show.

 

 

 

 

 

LA GALERIE 13 JEANNETTE MARIANI

 présente 2 évènements autour de l'artiste

 

MILTON BECERRA

 

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AU CARROUSEL DU LOUVRE

 

 

DRAWING NOW PARIS l LE SALON DU DESSIN CONTEMPORAIN

 

STAND A5 

 

>>> Du 25  au 28 Mars 2011 <<<

Carrousel du Louvre, Paris

 >>> Vernissage presse le Jeudi 24 Mars à partir de 14h <<<

 >>> Vernissage public le Jeudi 24 Mars de 18h30 à 22h <<<

 

MASQUE - Série : Copiar Cortar. Graphite sur papier Canson , pièce unique,80 x 80 cm. 2004 © Milton Becerra -Galerie 13 Jeannette Mariani. Photo : Eva E. Davier
 

 

MASQUE ( détail ) - Série : Copiar Cortar. Graphite sur papier Canson, pièce unique, 80 x 80 cm. 2004 
© Milton Becerra - Galerie 13 Jeannette Mariani. Photo : Eva E. Davier

 

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MILTON BECERRA

Per monstra ad astra ¹ 

 

 

« LE MASQUE EST LE CHAOS DEVENU CHAIR.

Il est présent devant moi comme un semblable et ce semblable,

qui me dévisage, a pris en lui la figure de ma propre mort :

par cette présence le chaos n'est plus la nature étrangère à l'homme,

mais l'homme lui-même animant de sa douleur et de sa joie ce qui détruit l'homme (…).»

Georges Bataille

 

 

Ressuscitant avec force les anciennes figures des dieux indiens peuplant les rives de l'Orénoque, au Vénézuela, les dessins de Milton Becerra ne sont pas, à proprement parler, de simples oeuvres d'art. Ou alors, il faudrait dire qu'elles ne le sont qu'à la condition d'être aussi des objets chargés d'une certaine force spirituelle – d'un certain mana. Car, à l'évidence, ce qui intéresse Becerra dans ces représentations de masques, ce n'est pas seulement de mettre en avant leurs qualités plastiques, mais de nous permettre, aussi, de reprendre contact avec cette « pensée sauvage » qui fascina tant Levi-Strauss, et qui, de nos jours encore, semble être en possession d'un secret que nos sociétés occidentales – au bord de la faillite écologique - auraient bien besoin de retrouver.

 

Soucieux de préserver l'intégrité de leur habitat et de vivre en conformité avec les esprits de la forêt – les shapiris - les peuples de la forêt Amazonienne célèbrent aujourd'hui encore, sous l'égide des chamanes, des rites en l'honneur des dieux-esprits. Or, qu'est-ce qu'un Dieu-esprit sinon cet étrange état dans lequel un homme – un initié – se couvrant le visage d'un masque, perd peu à peu son identité pour gagner celle de l'animal auquel il rend hommage. Dans un mouvement de dépossession allant de l'homme à l'animal, puis de l'animal à l'esprit qui est en lui, l'initié sort de sa condition pour reprendre contact avec des forces qui le dépassent et auxquelles il se soumet avec humilité.

 

Le masque n'est donc pas seulement un objet de culte pour celui qui le regarde – ou qui le porte – mais d'abord et avant tout un opérateur de transe : un tremplin capable de propulser l'esprit hors de ses limites tout en le rendant à même d'expérimenter, le temps d'un rituel au moins, son union avec le reste du cosmos. Voilà sans doute la raison pour laquelle les dessins Milton Becerra ne se laissent pas regarder sans susciter, dans l'esprit de celui qui les contemple, un certain effroi. Car du plus profond de leur silence, ils semblent nous inviter à couvrir notre visage de leur formes pour que nous puissions, à notre tour, expérimenter leur mana.

 

 

Frédéric-Charles Baitinger 

 

(1) Par les monstres, jusqu'au étoiles...

 

 

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BIO

 

Milton Becerra est né en 1951 au Vénézuela. Il vit et travaille à Paris.

 

 La proposition conceptuelle de Milton Becerra évolue vers l'expérimentation de nouveaux langages et a été saluée entre autres lors de sa  participation à la XIe Biennale internationale des jeunes artistes au Musée d'Art Moderne à Paris en 1980, La 41ème Biennale de Venise, et à Documenta 8 de Kassel.

 

 En 2008, Milton Becerra a reçu le prix AICA (Association Internationale des Critiques d'Art).

 

Cet ancien élève de Rafael Soto et de Cruz Diez, avec lesquels il travailla entre 1974 et 1980, est probablement l'un des artistes plasticiens vénézuéliens majeurs de la scène artistique contemporaine, mais aussi l'un des plus prolifiques de sa génération.

 

Dans le langage très particulier de sa création, à forte résonance écologique et cosmogonique, l'œuvre de Becerra donne à la nature matière à s'exprimer. Il est connu pour ses installations aériennes où cordages et pierres s'entremêlent pour constituer de larges structures qui, jouant de la pesanteur, mettent en tension la complexité du tressage et l'essence brute des matériaux utilisés.

 

Milton Becerra propose dans ses œuvres un équilibre entre la civilisation contemporaine et les éléments les plus primitifs et ancestraux dans la culture humaine et l'histoire naturelle.

 

Les oeuvres de Milton Becerra sont présentes dans de nombreuses collections publiques et privées en France comme à l'étranger.

 

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A LA GALERIE

MILTON BECERRA

ALE'YA

Design Graphique sur Peaux

 

>>> Exposition du 26 Mars  au 23 Avril 2011 <<<

 >>> Vernissage le Samedi 26 Mars à partir de 14h <<<

ALE'YA, Installation, peaux et fils de coton.

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Milton Becerra vit à l'âge de pierre.
- Texte de Pierre Restany -

Milton BECERRA vit à l'âge de pierre, mais de la pierre cirée plus encore que polie. De la pierre en suspension, prise dans un réseau de fils de chanvre et de cordages tressé qui créent d'étranges chapelets aériens baroques et barbares. L'artiste vit au milieu d'une toile d'araignée dont les sécrétions pétrifiées constituent autant d'astéroïdes-fétiches. Son univers est celui d'un antre clos, une caverne dont la lucarne déboucherait sur une forêt vierge de l'Orénoque.

 

Le Venezuela a amplement projeté à l'extérieur l'image d'un art géométrique-cinétique qui s'accorderait bien avec le brutalisme de sa nouvelle architecture. Le jeu optique des couleurs sur le ciment, telle était l'image de la modernité du pays à l'apogée de l'ère du pétrole, la traduction de sa richesse industrielle sur le plan des arts plastiques. Milton Becerra appartient à une autre génération vénézuélienne, la nouvelle, celle qui a été beaucoup plus sensible aux contradictions qu'à la logique du système socio-culturel et qui doit affronter aujourd'hui le contexte d'une économie en crise.

 

Il représente aussi l'autre face de son pays, muette, cachée, immémoriale, celle qui se détourne des gratte-ciels de Caracas et des derricks de Maracaibo, celle qui exprime la réalité du grand fleuve et de la grande forêt, le prolongement de l'Amazonie. Une présence immense et sourde, oblitérée par la façade moderniste et trépidante de la côte atlantique : l'indien de l'Orénoque a appris à tourner le dos à la mer. C'est dans la clandestinité du silence qu'il perpétue sa légende, soeur de la légende amazonienne. Et c'est dans cet esprit du silence que s'élabore, jour après jour l'oeuvre de Milton Becerra. Une oeuvre mystérieuse et rituelle qui est le reflet d'une immense mémoire en voie de disparition et qui ne veut pas mourir. Une oeuvre hors du temps : l'artiste passe des heures et des heures à frotter ses pierres en les imprégnant de cire fondue, de façon à leur communiquer l'infinie douceur de la patine des anciens âges.

L'homme est fort, trapu, maître de soi. Tout est dans le regard profond, vif, d'une extrême acuité: quand il vous fixe, vous ressentez le sang froid de l'immensité verte qui coule dans les veines de Milton Becerra. C'est le sang originel et authentique de sa terre, celui qui continuera à couler au Venezuela une fois tari le brûlant filon d'or noir.

Face à la société de consommation et à son ciment armé Milton Becerra défend et illustre la continuité de l'âge de pierre, il y a là de la magie et de l'exorcisme certes, mais surtout de l'amour et de l'espoir. De l'espoir dans l'Homme.

    

 

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Carrousel du Louvre

MILTON BECERRA

STAND A5

 >>> Vernissage Presse le Jeudi 24 Mars à partir de 14h <<<

 >>> Vernissage Public le Jeudi 24 Mars de 18h30 à 22h <<<

 

 

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MILTON BECERRA

ALE'YA

Design Graphique sur Peaux

 

   >>> Exposition du 26 Mars  au 23 Avril 2011 <<<

  >>> Vernissage le Samedi 26 Mars à partir de 14h <<<

 

 

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Métro Concorde, sortie Cambon. Parking : 38, rue du Mont Thabor 75001 PARIS.

 

 

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